«No hay nada parecido en la cartelera madrileña.» Javier Vallejo

«Una experiencia escénica de primer orden.» Ignacio García Garzón

«Nada que perder reconcilia con el mejor teatro de denuncia.» Javier Villán

«Dinámico, propositivo, enmarcado en la crítica de nuestra dejadez.» Julio Castro

«Una excelente función en la que nada debe perderse, nada podemos perder o nada tenemos que perder.» La Voz de Áviles

«Sobresaliente trabajo dramatúrgico que se concreta en un concepto de representación lúcido y brillante.» El Heraldo de Aragón

«Teatro perfecto y necesario.» Javier Paisano

«Espectáculo imprescindible.» Paco inestrosa

Además, todas estas críticas son complementadas con otro tipo de reconocimientos:

• Nuestra intérprete femenina, Marina Herranz, fue galardonada con el Premio a Mejor Actriz en el XX Certamen Nacional de Teatro de Rioja Haro 2017.
• Nada que perder ha pasado a ser uno de los espectáculos recomendados por la Red Nacional de Teatros.
• Además, recibimos Mención Especial del Público en el Festival Don Quijote 2017 (París).

Un profesor de Filosofía intenta hablar con su hijo, detenido por quemar un contenedor durante una huelga de basuras. ¿Cuáles son los límites de la ética para sobrevivir en una sociedad como la nuestra? ¿Qué serías capaz de hacer por conservar el trabajo? ¿Dejarías a tu hijo en la cárcel para darle un escarmiento? Preguntas y más preguntas a las que no esperes encontrar respuesta en esta obra.

La escena política española se empeña en seguir avalando la enigmática frase del espectáculo “otorongo no come otorongo” que hace referencia a las cloacas de la corrupción política. Pero no solo de corrupción habla este montaje… A maneras de cajas chinas, ocho historias se convierten en una a través de una trama detectivesca: nada ni nadie es lo que parece. Padres, hijos, abogados, concejales, profesores, todos se dan cita para movernos a preguntar: ¿la verdad o la felicidad de la ignorancia?

¿Es posible hacer un teatro de ideas a partir del thriller?  La compañía Cuarta Pared demuestra que sí. Al igual que en Las Manos y la Trilogía de la juventud exploró los límites del teatro épico incorporando la vivencia y la emoción; al igual que en Rebeldías posibles y  la Trilogía descubrió como integrar las fábulas y el teatro social  de agitación; con Nada que perder demuestra que es posible integrar serie negra y mayéutica, esa técnica de conocimiento a través del cuestionario que utiliza la filosofía

Nada que perder, de Quique y Yeray Bazo, Juanma Romero y Javier G. Yagüe y publicada por la Revista Primer Acto, supone una aportación a la literatura dramática española contemporánea: un teatro actual, cercano a la realidad de jóvenes y adultos.

-¿Cómo surgió la idea de montar «Nada que perder»?

Siempre hemos intentado hacer un teatro que participase o estimulase los debates sociales. Rebeldías posibles anticipaba el movimiento de los indignados, y Siempre fiesta hablaba de la destrucción de una familia, como metáfora de la descomposición de una sociedad, muy cercano a lo que ahora estamos viviendo. Pero, por otro lado, nos interesa un teatro que trascienda la actualidad, de eso ya se ocupan los medios de comunicación. Ante una realidad tan cambiante como la de estos últimos años ha sido difícil encontrar qué hay de permanente o  de trascendente en los sucesos que nos rodean. Por ello hace cuatro años que no hacíamos un montaje para adultos. Empezamos a trabajar en este montaje hace un año y medio, y cada vez que nuestra imaginación ideaba algo, la realidad lo superaba por disparatado o exagerado que nos pareciese. Esto ha hecho que hayamos ido descartando cada vez más lo anecdótico y quedándonos con la esencia de la realidad que vivimos.

La chispa para la trama que hemos desarrollado fue una anécdota que nos contaron un día. A un abogado que trabajaba en un gran bufete le habían dado unas vacaciones fuera de temporada y, justo en ese momento,  ¡qué casualidad!, se quemó su oficina destruyéndose mucha información.

-¿Cómo ha hilado las ocho escenas de la obra, qué tienen en común?

El gran reto de la escritura ha sido armar una trama que se continúa pero que en cada una de las ocho escenas tiene personajes diferentes. El espectador es el investigador que va hilando las pistas que desembocan en la resolución final. El que cada escena tenga personajes diferentes nos ha permitido hacer un fresco que recoge diferentes estratos sociales y diferentes entornos laborales. Padres e hijos, abogados, empresarios, profesores, psicólogos…así hasta dieciséis personajes.

-¿Cómo ha sido la puesta en escena?

Toda la obra se ha compuesto a base de interrogatorios y hemos intentado trasladar ese acoso que produce el interrogatorio a la puesta en escena. Por ello trabajamos con el público rodeando la escena, acercando al espectador los gestos, las inflexiones y las dudas del que oculta algo, no quiere hablar de algo o no dice la verdad. Tenemos la suerte de contar con un espacio polivalente y que permite esa cercanía con el público. La obra transcurre durante una huelga de basuras y la basura es la base de la puesta en escena.

-¿Cuántos actores hay sobre el escenario (si puedes ponme los nombres)?
En escena hay tres actores permanentemente que se reparten los diferentes personajes. Un interrogador y un interrogado en cada escena, pero también un tercer personaje, el tercero, que es un puente con el espectador, su alter ego, alguien que se pregunta permanentemente sobre el sentido de lo que vemos, que cuestiona a los personajes, al espectador, a sí mismo. Alguien que intenta encontrar respuestas pero sólo tiene preguntas.
Los tres actores son: Marina Herranz, Javier Pérez-Acebrón y Guillermo Sanjuán, que sustituye Pedro Ángel Roca en la reposición actual.

-¿Cómo ha sido la labor de escritura junto a los hermanos Bazo?

La obra está escrita por los Bazo, Juanma Romero y yo mismo. Ha sido un proceso largo, año y medio como decía antes,  y muy gratificante. Nos hemos reunido una vez por semana. Empezamos definiendo de qué queríamos hablar, buscamos material, luego hicimos una escaleta que definiese la trama, pues esta es una obra de serie negra, a la que somos tan aficionados. La escaleta nos permitió dividirnos el trabajo, las escenas, en una primera escritura. Ellos escribían, yo reescribía y corregía. Luego intercambiaron las escenas. Volvimos a incorporar propuestas, a completarlas, ampliarlas…Volvimos a corregir, tachar, tachar y tachar hasta llegar a algo sintético, nuclear, conciso como los buenos diálogos de novela negra.

-¿Qué hay de denuncia en el texto?

Todos nosotros somos buenos aficionados a la novela negra. Pero las que más nos interesan son aquellas que descienden a las cloacas. Aquellas que mediante la investigación de un crimen horadan las apariencias y penetran a través de diferentes capas, yendo cada vez más hacia las profundidades y haciendo aflorar aquello que permanece oculto. Eso hemos querido hacer con nuestra obra,  poner la lupa en aquello que por oculto o por demasiado visto, por el acostumbramiento, no vemos. Hay cierto agotamiento informativo sobre desahucios, parados, etc. Pero su realidad no ha cambiado. Algunas personas que un día fueron  titular en un periódico porque lideraban una manifestación y fueron represaliados ya no son noticia, su vida es mucho peor pero la actualidad les ha borrado. Los que perdieron los ahorros de toda una vida con los preferentes siguen sin haberlos recuperado, su vida quizá sea un infierno…pero el foco informativo, la solidaridad ya están en otra parte. Queremos hablar de aquellos que ya no son protagonistas y merecerían serlo.

-¿Cómo se muestra la sociedad actual en la obra?

Hablamos de una sociedad en crisis, pero no sólo económica. Consideramos que la crisis económica es consecuencia de la crisis de valores, de una sociedad que ha ido enfermando poco a poco. En esta obra intentamos hablar de esa enfermedad social y de la decadencia de los valores que conforman una sociedad saludable. Hablamos de una sociedad en donde los desahuciados, en un sentido amplio,  no importan a los que tiene la posibilidad de hacer algo, que pueden decidir. Hablamos del peligro de llevar a alguien hasta  un punto de no retorno, hasta un punto en donde ya no tiene nada que perder.

-¿Cree que el teatro está empezando a tomar partido en la degeneración de nuestra vida política y social?

Como decía al principio, nosotros siempre hemos estado alerta contra cierta idea del progreso que sólo trae mejoras, alerta contra la tendencia hacia la deshumanización. Creo que el teatro en general no puede mantenerse al margen de lo que sucede y desde el puro teatro documento hasta el teatro más comercial están ocupándose de lo que sucede a nuestro alrededor. Nosotros  intentamos seguir por un camino en donde la realidad se cuenta a través de una forma artística que suponga una experiencia trascendente para el espectador, más allá de la que vive en su vida cotidiana, más intensa que la que experimenta en su vida diaria. Buscamos un teatro que deje huella.

-¿Es el género negro la mejor manera para contar nuestra realidad de corrupción?

Creo que ya he contestado antes a esta pregunta. La corrupción se produce en zonas oscuras, en espacios ocultos, detrás de las fachadas. Para llegar a esos ámbitos hay que investigar y el género negro nos permite esa investigación que tira de un pequeño hilo, que parte de un asunto sin importancia hasta desenredar una madeja que nos lleva al origen, a aquello que estaba oculto.

Fragmento de la entrevista realizada por Javier López-Rejas a Javier G. Yagüe, coautor y director de Nada que perder.

Cuarta Pared aborda su nuevo proyecto después del rotundo éxito de Nada que perder, con más de 250 funciones y gira nacional e internacional, después de acometer el ciclo Primeros Días del Futuro en su 25 Aniversario y tras haber cerrado dos trilogías, La Trilogía de la Juventud celebrada por más de 500.000 espectadores y la Trilogía Imprevista, compuesta por Café, Rebeldías Posibles y Siempre Fiesta. Entre los premios que avalan el trabajo de la compañía, destacan, entre otros, el Premio Adolfo Marsillach 2010 a la labor teatral por sus 25 años de actividad, Premio Palma de Alicante 2009 por la programación continuada de dramaturgia española viva, Premio a la Mejor Propuesta Teatral en la Feria de Huesca de 2007, tres premios MAX (al Mejor Productor Privado de Artes Escénicas, al Mejor Espectáculo Infantil, en 2000 y al Mejor Texto en Castellano en 2002), El Ojo Crítico de teatro en 1999 y, sobre todo, el premio de la excelente acogida del público.

Una vez más, la Compañía Cuarta Pared trata de sorprender con la puesta en escena de un teatro actual, escrito con un lenguaje innovador y diferente, que busca la sorpresa continua y además produce experiencias intensas en el espectador. La intención es hacer del teatro una experiencia única.

ÚLTIMOS ESPECTÁCULOS DE LA COMPAÑÍA

• Nada que perder. Trilogía Negra I. De QY  Bazo, Juanma Romero y Javier G. Yagüe. Dirección: Javier G. Yagüe (Temporadas 2015 – 2018)
• Inmortales. Autor y director: Javier G. Yagüe (Temporadas 2012-13)
• Primeros días del Futuro: Autor y director: Javier G. Yagüe (Temporadas 2012-13)
• Transit. Dramaturgia y Dirección Marcelo Díaz. Producción ETC (Temporada 2010-11)
• Siempre Fiesta. De Luis García-Araus, Susana Sánchez y Javier G. Yagüe. Dirección: Javier G. Yagüe (Temporadas 2009-10)
• Rebeldías Posibles. De Luis García-Araus y Javier G. Yagüe. Dirección: Javier G. Yagüe (Temporadas 2007-09)
• Café. De Luis García-Araus, Susana Sánchez y Javier G. Yagüe. Dir: Javier G. Yagüe (Temporadas 2005-07)
• 24/7. Trilogía de la Juventud III De José Ramón Fernández, Yolanda Pallín y Javier G. Yagüe. Dir: Javier G. Yagüe (Temporadas 2002-04)
• Imagina. Trilogía de la Juventud II De José Ramón Fernández, Yolanda Pallín y Javier G. Yagüe. Dirección: Javier G. Yagüe (Temporadas 2001-04)
• Las manos. Trilogía de la Juventud I De José Ramón Fernández, Yolanda Pallín y Javier G. Yagüe. Dir: Javier G. Yagüe (Temporadas 1998-2004)^[
• Nunca dije que era una niña buena. De Gustavo Ott. Dir: Javier G. Yagüe (Temporada 1996-97)
• Acera derecha. De Rodrigo García. Dir: Javier G. Yagüe (Temporada 1995-96)
• Salvia. De Antonio Onetti. Dir: Javier G. Yagüe (Temporada 1994-95)
• Río negro. De Ángel Solo. Dir: Javier G. Yagüe. (Temporada 1993-94)

• Premio Nacional de Teatro 2020.
• Adolfo Marsillach 2010 a la labor teatral por sus 25 años de actividad.
• Premio Palma de Alicante 2009 por la programación continuada de dramaturgia española viva.
• Premio Internacional Feria de Teatro de Huesca a la Mejor Propuesta de Teatro 2007.
• Premio Max al Mejor Texto Dramático en Castellano 2002.
• Premio Max al Mejor Espectáculo Infantil 2001.
• Premio al Mejor Montaje del Año El País de las Tentaciones 2001, según los lectores.
• Premio Max al Mejor Productor Privado de Artes Escénicas 2000.
• Premio Ojo Crítico de Teatro en 1999.

COMPAÑÍA CUARTA PARED
Dramaturgia: QY Bazo, Juanma Romero y Javier G. Yagüe
Intérpretes: Marina Herranz, Javier Pérez-Acebrón, Guillermo Sanjuán
Escenografía: Silvia de Marta
Iluminación: Alfonso Ramos
Fotografía: Daniel Martínez López
Utilería y vestuario: Cuarta Pared
Realización de escenografía: Richard Vázquez
Producción, distribución y comunicación: Cuarta Pared
Ayudante de dirección: Elvira Sorolla
Dirección: Javier G. Yagüe

Tras las excelentes reseñas de la crítica teatral y la calurosa acogida del público, son ahora nuestros compañeros y compañeras de profesión los que destacan nuestro trabajo. Las cuatro candidaturas a los Premios Max para Instrucciones para caminar por el alambre nos hacen sentir orgullosos y muy agradecidos. Y también estimulados para culminar la Trilogía Negra que empezó con Nada que perder y cuya tercera entrega se presentará la próxima temporada.

Nominación:

1. Finalista Javier G. Yagüe a Mejor Dirección de escena.

Candidaturas:

1. Compañía Cuarta Pared a Mejor Espectáculo de teatro.

2. Quique Bazo, Yeray Bazo, Juanma Romero y Javier G. Yagüe a Mejor Autoría teatral.

3. Javier G. Yagüe a Mejor Dirección de escena.

4. Marina Herranz a Mejor actriz.

La Compañía Cuarta Pared se ha caracterizado por los ciclos de creación a largo plazo. La idea de trabajar sobre trilogías permite explorar creativamente contenidos y formas que necesitan períodos de largo plazo para desarrollarse y agotarse.

Instrucciones para caminar sobre el alambre supone el siguiente paso de Nada que perder, una nueva trilogía en ciernes caracterizada por recurrir formalmente al formato “thriller”. Este formato permite usar la investigación como punto de partida para develar tramas y personajes. El éxito nacional e internacional de Nada que perder nos anima a incidir en este formato.

Para Instrucciones para caminar sobre el alambre la Compañía Cuarta Pared estuvo un año recopilando documentación sobre la temática que se aborda y a lo largo de 2019 los dramaturgos volcaron en un texto todo el material recopilado. Posteriormente, como es habitual en los procesos de la compañía, los actores y actrices se han incorporado para dar forma a la escritura final del texto desde la escena.

¿Dónde está Alba? Su hermano y su madre han denunciado su desaparición y ayudan en la reconstrucción de sus últimos días para poder encontrarla. La investigación nos llevará a conocer a una familia que lucha por sobrevivir en un mundo invivible. Un mundo que lesiona sus cuerpos, que desequilibra sus mentes, que les empuja a la resignación. Un mundo bipolar en el que intentan encontrar su lugar. Alba estaba segura de haberlo encontrado, pero ahora Alba ha desaparecido.

Esta es una obra sobre el proceso de destrucción de una persona. Nuestra protagonista es un personaje lleno de vida, que no se conforma, que no se resigna, que cree. Pero el mundo bipolar que la rodea, en el que se pasa del éxito al fracaso en un momento y de manera abrupta, hace que su vida poco a poco se vaya complicando. El esfuerzo personal ya no es una garantía. A través de Alba, la obra hace un retrato de una sociedad que se hace cada vez más invivible para los que no son privilegiados, con las enfermedades mentales en aumento como síntoma de la imposibilidad de adaptarse a condiciones cada vez más adversas, con redes de asistencia y solidaridad cada vez menores, y en donde, por tanto, cada individuo se enfrenta cada vez más solo a la adversidad.

La sombra de la pandemia tiñe todo a nuestro alrededor y el teatro no es la excepción. Cuando en febrero se estrenó Instrucciones para caminar sobre el alambre, de la compañía Sala Teatro Cuarta Pared, la obra estaba enmarcada claramente en un contexto identificable. La propuesta se acercaba al mundo neoliberal post-crisis a través de la historia de Alba, una joven que buscaba salir de un bucle de precariedad laboral pero que había quedado estancada. Entonces llegó el coronavirus y las puertas del teatro permanecieron cerradas por meses. En septiembre la compañía de teatro alternativo ganó el Premio Nacional de Teatro por “su compromiso con los problemas de la sociedad contemporánea” y el pasado 23 de octubre reestrenó, ante un público mermado, una puesta en escena que envejeció -o rejuveneció- con la aparición de un nuevo drama social, avalando el reconocimiento de manera curiosamente oportuna.

Nicholas Dale, El País. 

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«El director, sus colaboradores en la escritura y los intérpretes ponen al público al borde de sus butacas.» Javier Vallejo

«[El espectáculo] Vuelve a hacer leyenda, es lúcida, potente, sin concesiones, es emocionante y sabe llegar adonde el teatro forma parte de nosotros.» Diego Doncel

«Una feroz y certera crítica al modelo de sociedad competitiva, frenéticamente competitiva, en el que estamos inmersos desde hace ya demasiado tiempo.» Raúl Losánez

«El espectador se ve inmerso en una especie de olla a presión […] Nadie puede quedar fuera a salvo, indiferente, en este espectáculo de alta tensión.» Manuel Sesma

«Es trepidante, incesante […]. Vayan si tienen ganas de ver un retrato feroz del capitalismo decadente.» Pilar G. Almansa

«Los cinco actores son vitalidad en estado puro, cinco fieras, que realizan un trabajo potente y primoroso, como el discurso de la obra en sí.» Luis Muñoz Díez

«[El espectáculo] tiene una dimensión fantástica y otra singularmente realista y policiaca, dentro de un entramado que avanza vertiginosamente en una España abrumada.» Horacio Otheguy Riveira

«La función, hipnótica y necesaria, transcurre en un crescendo agobiante y sincero, tan vertiginoso y cierto que hace imposible, ni volver la vista, ni apartar la atención del escenario hasta la amarga e inevitable catarsis.» Luis de Luis

Cuarta Pared aborda su nuevo proyecto después del rotundo éxito de Nada que perder, con más de 250 funciones y gira nacional e internacional, después de acometer el ciclo Primeros Días del Futuro en su 25 Aniversario y tras haber cerrado dos trilogías, La Trilogía de la Juventud celebrada por más de 500.000 espectadores y la Trilogía Imprevista, compuesta por Café, Rebeldías Posibles y Siempre Fiesta. Entre los premios que avalan el trabajo de la compañía, destacan, entre otros, el Premio Adolfo Marsillach 2010 a la labor teatral por sus 25 años de actividad, Premio Palma de Alicante 2009 por la programación continuada de dramaturgia española viva, Premio a la Mejor Propuesta Teatral en la Feria de Huesca de 2007, tres premios MAX (al Mejor Productor Privado de Artes Escénicas, al Mejor Espectáculo Infantil, en 2000 y al Mejor Texto en Castellano en 2002), El Ojo Crítico de teatro en 1999 y, sobre todo, el premio de la excelente acogida del público.

Una vez más, la Compañía Cuarta Pared trata de sorprender con la puesta en escena de un teatro actual, escrito con un lenguaje innovador y diferente, que busca la sorpresa continua y además produce experiencias intensas en el espectador. La intención es hacer del teatro una experiencia única.

ÚLTIMOS ESPECTÁCULOS DE LA COMPAÑÍA

• Nada que perder. Trilogía Negra I. De QY  Bazo, Juanma Romero y Javier G. Yagüe. Dirección: Javier G. Yagüe (Temporadas 2015 – 2018)
• Inmortales. Autor y director: Javier G. Yagüe (Temporadas 2012-13)
• Primeros días del Futuro: Autor y director: Javier G. Yagüe (Temporadas 2012-13)
• Transit. Dramaturgia y Dirección Marcelo Díaz. Producción ETC (Temporada 2010-11)
• Siempre Fiesta. De Luis García-Araus, Susana Sánchez y Javier G. Yagüe. Dirección: Javier G. Yagüe (Temporadas 2009-10)
• Rebeldías Posibles. De Luis García-Araus y Javier G. Yagüe. Dirección: Javier G. Yagüe (Temporadas 2007-09)
• Café. De Luis García-Araus, Susana Sánchez y Javier G. Yagüe. Dir: Javier G. Yagüe (Temporadas 2005-07)
• 24/7. Trilogía de la Juventud III De José Ramón Fernández, Yolanda Pallín y Javier G. Yagüe. Dir: Javier G. Yagüe (Temporadas 2002-04)
• Imagina. Trilogía de la Juventud II De José Ramón Fernández, Yolanda Pallín y Javier G. Yagüe. Dirección: Javier G. Yagüe (Temporadas 2001-04)
• Las manos. Trilogía de la Juventud I De José Ramón Fernández, Yolanda Pallín y Javier G. Yagüe. Dir: Javier G. Yagüe (Temporadas 1998-2004)^[
• Nunca dije que era una niña buena. De Gustavo Ott. Dir: Javier G. Yagüe (Temporada 1996-97)
• Acera derecha. De Rodrigo García. Dir: Javier G. Yagüe (Temporada 1995-96)
• Salvia. De Antonio Onetti. Dir: Javier G. Yagüe (Temporada 1994-95)
• Río negro. De Ángel Solo. Dir: Javier G. Yagüe. (Temporada 1993-94)

• Premio Nacional de Teatro 2020.
• Adolfo Marsillach 2010 a la labor teatral por sus 25 años de actividad.
• Premio Palma de Alicante 2009 por la programación continuada de dramaturgia española viva.
• Premio Internacional Feria de Teatro de Huesca a la Mejor Propuesta de Teatro 2007.
• Premio Max al Mejor Texto Dramático en Castellano 2002.
• Premio Max al Mejor Espectáculo Infantil 2001.
• Premio al Mejor Montaje del Año El País de las Tentaciones 2001, según los lectores.
• Premio Max al Mejor Productor Privado de Artes Escénicas 2000.
• Premio Ojo Crítico de Teatro en 1999.

Pregunta: ¿Cómo surge la idea de montar Instrucciones para caminar sobre el alambre?

JM: Javier Yagüe nos reúne hace dos años para escribir la segunda parte de esta Trilogía Negra. Esta vez no tenemos una forma tan clara, como era el caso de Nada que perder, sino una serie de temas que nos interesa tratar: la enfermedad mental, el cansancio, la ansiedad, el entorno sanitario y eso que Bifo llama la sociedad bipolar: un modo de relacionarnos y de enfocar nuestros trabajos en donde la euforia es una nota tan dominante como la depresión que le sigue.

P- ¿Qué tienen en común Nada que perder y esta, la segunda parte de la Trilogía Negra?

JM: Como suele ser habitual en las trilogías de la Cuarta, la cohesión no es argumental, sino temática. Desgraciadamente, los motivos que nos reúnen en 2020 son los mismos que nos reunieron años atrás para escribir Nada que perder: contar cómo sobreviven los más desfavorecidos en medio de esta recesión que no parece tener fin. Los cuatro dramaturgos compartimos la necesidad de crear personajes que viven inmersos en las contradicciones de nuestro entorno, un sistema que ni siquiera sabemos cómo sostenemos, hasta tal punto que la enfermedad es muchas veces la única salida posible, a nivel individual, mientras se resquebrajan las instituciones que nos podrían proteger a nivel colectivo. Si en Nada que perder nos centrábamos en la corrupción política, en Instrucciones predomina la precariedad y los trastornos de esa sociedad que ha aceptado la bipolaridad como modo de vida.

P- ¿Cómo han hilado las quince escenas de la obra junto a las cuarenta y cinco instrucciones narradas en segunda persona?

JM: En esta ocasión, hemos dejado más margen para la libertad que en Nada que perder, donde blindamos una estructura muy férrea antes de dialogar. En Instrucciones no hemos decidido la estructura hasta el final, generando materiales diversos, como las instrucciones narradas en segunda persona, que sirven de transición a las diferentes escenas, pero también generan una tensión y un aroma a novela negra que es, sin duda, otra de las señas fundamentales de la trilogía.

P- Uno diría, leyendo el texto, que esta Trilogía va configurando un friso de La Gran Recesión?

JM: Nunca nos lo planteamos así, pero resulta inevitable. Se generaron unas expectativas para nuestra generación que no se están cumpliendo, y eso desemboca en una incertidumbre y una frustración enorme, cuyas consecuencias desconocemos. Todos sentimos vivir en una olla a punto de reventar, ¿por qué? ¿Qué está pasando? ¿Por qué perdemos tan alegremente todas aquellas batallas que ganaron nuestros mayores? De esa sensación de rabia, mezclada con un inevitable cansancio, están naciendo estos proyectos.

P- Escriben “eres tan bueno como tu último trabajo”. Un lema despiadado y también un martillo para un creador.

JM: Pero es así. Valemos lo que nuestro último tweet o like. Las consultas se llenan de pacientes con ansiedad, los adolescentes enferman de depresión por no alcanzar las metas  previstas. Somos la generación más medicada en la historia de la humanidad. El creador, por supuesto, también se resiente por esto. María Zambrano decía que el poeta tenía que abrir un desierto en su interior para que sucediera el milagro de la palabra. Una exigencia tan verdadera, tan hermosa, se ve fácilmente eclipsada por los ídolos a los que hoy honramos: trabajo, cuanto más mejor; éxito inmediato; popularidad a cualquier precio.

P- ¿Cómo ha sido la labor de escritura conjunta entre los cuatro autores?

JM: Dedicamos mucho tiempo a conversar, a compartir materiales e inquietudes. Todo eso se concreta luego en unos personajes y una fábula que escribimos entre todos. Cuando creemos que es el momento de escribir las escenas las repartimos y luego las intercambiamos, de modo que el estilo es cada vez más el del equipo, la forma que la propia obra nos pide, y no tanto la particular de cada escritor.

P- En el género negro suele haber víctimas y verdugos. Sin desvelar el misterio, ¿quién es el culpable de la desaparición de Alba?

JM: No podemos desvelarlo. Pero aunque haya un culpable, la pregunta que nos interesa es: ¿de quién es la responsabilidad de haber llegado hasta aquí? Uno de los elementos que más me fascina del género es que al investigador (y por lo tanto al espectador) le cuesta encontrar al culpable porque cualquier otro sospechoso lo podría haber sido fácilmente. El bien y el mal se diluyen y la responsabilidad es compartida.

P- Estrenan el 13 de febrero en la Sala Cuarta Pared, ¿alguna instrucción para los espectadores?

JM: La instrucción que procuro aplicarme a mí mismo: Déjate llevar. Sueña. Y juzga luego.

P- ¿Qué tienen en común Nada que perder y esta, la segunda parte de la Trilogía Negra?

QY: ambas son hijas de su tiempo. Comparten esa sensación de vértigo que de una u otra forma llevamos pegada al cuerpo desde que estalló la crisis. Una crisis que dicen que ha pasado y sin embargo sigue pasándonos factura a diferentes niveles. En Nada que perder nos centramos en los aspectos más políticos y éticos de la crisis. En Instrucciones para caminar sobre el alambre eso sigue estando ahí, pero ahora más enfocado a cómo nos ha afectado en carne viva, nos ha enfermado mental y físicamente: el cansancio, el estrés laboral, la ansiedad, la depresión…

P- ¿Cómo han hilado las quince escenas de la obra junto a las cuarenta y cinco instrucciones narradas en segunda persona?

QY: Como en Nada que perder, queríamos mantener esa idea de puzzle, en tanto que el espectador asiste a una “investigación” en torno a la situación de un personaje. En Instrucciones para caminar sobre el alambre el motor de esa investigación es la desaparición de una joven, Alba. A partir de ese suceso quisimos dar forma a una estructura fragmentaria que invitase al espectador a entretejer las escenas para ir componiendo su relato.

P- Escriben “eres tan bueno como tu último trabajo”. Un lema despiadado y también un martillo para un creador.

QY: Es un lema despiadadamente real. Un lema que aprendimos pronto en nuestro trabajo en publicidad y que nosotros mismos hemos repetido. Lo terrible es que sitúa al trabajador en una situación de excepción, siempre al borde de un precipicio. No hay margen de error. Lo peor es que normalizamos la ansiedad, asumimos que forma parte de nuestro modo de vida. Al fin y al cabo, ¿a quién no le exigen cumplir objetivos en su trabajo? Nosotros mismos teníamos plazos, sufríamos en cada bloqueo, sentíamos la presión, nos exigíamos un resultado.

COMPAÑÍA CUARTA PARED
Dramaturgia: Quique Bazo, Yeray Bazo, Juanma Romero y Javier G. Yagüe
Intérpretes: Marina Herranz, Rosa Manteiga, Javier Pérez‐Acebrón, Guillermo Sanjuan y Salvador Bosch
Diseño de iluminación: Mariano Polo
Diseño de escenografía y vestuario: Monika Ruhle
Realización de escenografía y vestuario: Cuarta Pared S.L.
Producción, comunicación y distribución: Cuarta Pared S.L.
Producción ejecutiva: Elvira Sorolla
Dirección: Javier G. Yagüe

En Viaje vuelve a Cuarta Pared

Iremos a ese lugar y dejaremos de tener miedo

En Viaje narra la historia de una familia que a causa de la guerra debe emprender un viaje hacia un sitio que les permita rehacer su vida. Un viaje que debe sortear muros y fronteras, tomar decisiones, no siempre fáciles, y afrontar muchos peligros. Un viaje que se sostiene con la imaginación, el juego y la esperanza en busca de un destino mejor. Huda y Nama son madre e hija, dos viajeras infatigables que se embarcan en una odisea sin camino de vuelta. El motivo de su viaje no es el ocio ni la falta de trabajo, sino una presencia extraña que se ha llevado al padre: una guerra que escupe fuego. Durante el viaje Nama mira al cielo y se pregunta si las estrellas serán las mismas en todas partes y si los demás niños, cuando alzan la cabeza, verán lo mismo que ella.

La Compañía Cuarta Pared mantiene en su nuevo trabajo las claves que definen su trabajo: riesgo en la escena, búsqueda constante de nuevos lenguajes y voluntad de participar en el debate social. Las dramaturgias tratan temas cercanos al niño, que le ayudan a comprender el mundo, sin olvidar los aspectos más lúdicos, imaginativos y creativos de las artes escénicas. Sólo en la última década, la compañía Cuarta Pared ha realizado más de 2.500 representaciones y ha recibido numerosos premios a sus montajes infantiles, textos y producciones, por parte de público y crítica especializada. Destacamos el Premio Max al Mejor Espectáculo Infantil 2001 y el Premio Max al Mejor Productor Privado de Artes Escénicas en el año 2000.

COMPAÑÍA CUARTA PARED

Coreografía y dirección: Milagro Lalli
Autoras: Clara Santafé y Milagro Lalli
Intérpretes: Alex Arnal, Julia Monje y Josué Naval
Ayudante de dirección: Elvira Sorolla
Espacio escénico y vestuario: Laura Voskian
Iluminación: Nuria Henríquez
Edición de sonido: Bercial
Realización de escenografía y vestuario: Cuarta Pared
Ilustración: Shandra Martínez
Fotografía: Ángel Villalón
Diseño gráfico: Shandra Martínez e Irene González
Ayudante de Producción: Rebeca Alonso
Producción, comunicación y distribución: Cuarta Pared