UNIA
ESCENA
BAEZA

Si te gusta hacer teatro, ver espectáculos, viajar… te proponemos un buen plan para este verano. Cuarta Pared se hace cargo este año de la dirección de las actividades que la Universidad Internacional de Andalucía (UNIA), en su sede de Baeza, propone durante la primera quincena del mes de julio. Una  inmersión teatral que abarca, desde cursos y talleres con profesionales de prestigio reconocido como Andrés Lima o Alberto Conejero,  hasta una programación de primera línea que se inicia con La Phármaco y su último estreno , Una gran emoción política,  espectáculo producido por el Centro Dramático Nacional. Todo ello con las ventajas que ofrece  una universidad pública: precios reducidos, becas y alojamientos muy asequibles para permitir que cualquier persona tenga acceso al arte y la cultura.

Las artes escénicas evolucionan e incluso se transforman constantemente. Es necesario, por tanto, que todos los que nos desenvolvemos en este universo artístico conozcamos los nuevos lenguajes y las nuevas herramientas que estos nos ofrecen. Para ello, la UNIA cuenta en su programación con grandes creadores, asiduos a los principales eventos teatrales del panorama nacional e  internacional y que, en algunos casos,  sólo excepcionalmente imparten talleres con una clara inquietud de transmitir su bagaje técnico y creativo.

Los cursos propuestos este año ofrecen a todos los interesados en las artes escénicas  herramientas útiles para completar su formación y abarcan  diversas áreas de la creación: la dirección y la dramaturgia, la interpretación actoral, el teatro de calle o la performance, el teatro de la imagen y, también, la improvisación como herramienta o como lenguaje. Una cuidada propuesta para profesionales, estudiantes e interesados desde otros ámbitos artísticos y culturales que quieran profundizar desde su área de trabajo en lenguajes contemporáneos de la mano de artistas de reconocido prestigio.

La programación que la UNIA ha elaborado quiere seguir el hilo de una creación contemporánea en constante evolución e incluye espectáculos de todo tipo de estilos, desde el teatro de texto al teatro-danza pasando por espectáculos sorprendentes y totalizadores que mezclan diferentes lenguajes.

En verano los días son largos y dan para todo, así que si quieres combinar formación y diversión en un maravilloso enclave como la ciudad de Baeza, declarada Patrimonio de la Humanidad por la Unesco, no desaproveches esta oportunidad.

JAVIER G. YAGÜE

DIRECTOR DE CUARTA PARED

Del 1 al 12 de julio de 2019

TALLERES

Más información sobre becas y matriculación AQUÍ.

El poder y la marginación

Calendario: 1-5 julio de 9h30 a 14h30.
Dirigido a: profesionales y estudiantes de interpretación teatral.
Precio: 98€ Residencia (opcional): 75€.

*Más información sobre becas y matriculación AQUÍ-

El trabajo se desarrollará partiendo de lo que Andrés Lima llama LA CUALIDAD, conjunción de lo “esencial” que propone el texto y lo “personal” que propondrá el actor.
Los textos a trabajar en el curso girarán en torno a las mujeres y su relación con el poder o la marginalidad. Mariana Pineda , Margaret Thatcher,  Angela Davis, Isabel de Inglaterra, Eva Perón, Elektra, Clitemnestra o una prostituta anónima serán la base de nuestro trabajo. Sarah Kane, Angelica Lidell, Caryl Churchill, Jelinek o muchas otras mujeres han dedicado todo su esfuerzo para escribir sobre estos personajes . Pero también Bertolt Brecht, Sanchis Sinisterra, Pablo Gisbert, Schiller, Heiner Muller o Samuel Beckett.

Hay muchos hombres que comparten escenas con estas mujeres, pero también este curso es una buena oportunidad para ponerse en sus zapatos y travestirse.

Teatro contemporáneo o clásico, poemas o canciones, discursos o panfletos…todo es material dramático.

Para dicho trabajo, los actores participantes en el taller deberán escoger y proponer dos textos, ya sean clásicos o contemporáneos. Uno de ellos será un diálogo en el que tomarán parte dos de los participantes en el taller. El otro texto será un monólogo.

ANDRÉS LIMA es director , autor y actor. Lleva 35 años  de carrera profesional dedicada a la creación de espectáculos. Ha recibido numerosos premios por su carrera teatral  en solitario o con su compañía Animalario, entre otros el Premio Nacional de Teatro. Entre sus trabajos más reconocidos están: URTAIN de Juan Cavestany, ganadora de 9 premios Max , incluido mejor Dirección; ARGELINO De Alberto San Juan, ganadora de 4 premios Max, incluido mejor Dirección; MARAT-SADE de Peter Weis, ganadora de 4 premios Max, incluido mejor Dirección y HAMELIN de Juan Mayorga, ganadora de 4 premios Max, incluido mejor Dirección.

Privilegios de la imaginación

Calendario: 1-5 julio de 16 a 21h.
Dirigido a: actores, dramaturgos, coreógrafos, directores, músicos, bailarines, artistas plásticos, performers, etc…
Precio: 98€ Residencia (opcional): 75€.

Más información sobre becas y matriculación AQUÍ.

El objetivo del taller es conocer los mecanismos de creación a través de  las imágenes. Cada sesión contará con fundamentos teóricos y ejercicios prácticos realizados por el alumnado, además de una exhibición final en algunos espacios de interés escénico que nos brinde la ciudad de Baeza.

En este taller vamos a ocuparnos de descubrir, a través del conocimiento  de la práctica de la creación contemporánea, algo tan imprescindible como nuestro universo artístico, la esencia que nos define como artistas. Para ello vamos a  proporcionar recursos, estrategias y herramientas de creación que van a ayudar a iniciar y hacer andar un proyecto desde su fase embrionaria, o incluso sin existencia de dicha fase.

Este taller está dirigido a todos aquellos creadores que quieren iniciar un proyecto desde cero, ya sean actores, dramaturgos, coreógrafos, directores, músicos, bailarines, artistas plásticos, performers, etc… y tengan una idea de proyecto o no, pero estén interesados en la creación contemporánea y las dramaturgias de la imagen.

RAKEL CAMACHO es actriz, directora de escena y autora. Licenciada en Dirección de Escena y Dramaturgia por la Real Escuela Superior de Arte Dramático (RESAD). En 2010 crea y dirige la compañía La Intemerata. Desde entonces ha creado y participado en numerosos montajes. Atraída e identificada con los lenguajes de vanguardia y la escena transdisciplinar, en 2014 crea el espectáculo LUCIENTES (Esperpento Contemporáneo a partir de los Caprichos y Pinturas Negras de Goya). Festival A-PART LES BAUX EN PROVENCE. Dirige y escribe LA DONNA IMMOBILE, Premio a Mejor Espectáculo y Mejor interpretación femenina en el Festival Cenit TNT Atalaya. Actualmente se encuentra trabajando para el proyecto “Nuevas Direcciones” de investigación escénica creado y producido por el Centro Dramático Nacional.

Calendario: 1-5 julio de 9h30 a 14h30.
Dirigido a: profesionales y estudiantes de las artes escénicas.
Precio: 98€ Residencia (opcional): 75€.

Más información sobre becas y matriculación AQUÍ.

La improvisación teatral es una técnica de creación colectiva en la que se crean escenas o historias a partir de las reglas de aceptar y escuchar. Cientos  de  escenas  y  personajes  se  pueden  crear  a  través  de  esta   técnica. La composición de personajes y la dramaturgia de las escenas son algunas de las tareas que tiene el improvisador ya que al actuar deberá ejecutar los roles de director, dramaturgo y actor. Se trata de crear en grupo y, desde cero, escenas teatrales desde el primer momento . Los motores de la improvisación son la línea de salida para la creación grupal.

A lo largo del taller veremos las estrategias para poder crear personajes muy diferentes, tanto a nivel físico, como psicológico. Multitud de personajes llenos de interés y de vida interna que harán que las escenas estén llenas de verdad.

Las bases de la improvisación permiten, también, crear escenas entre varias personas usando unas sencillas reglas y planteamientos. El taller permitirá conocer la estructura de las historias y crear escenas de todo tipo a partir de una idea.

Por último y tras conocer las reglas de la improvisación: aceptar, adaptarse, avanzar; podremos probar lo qué es el match de improvisación, el formato de improvisación más representado en el mundo.

FERNANDO MOLINA Y EDU MORALEDA forman parte de  Impro Impar,  Compañía y Escuela de Teatro de Improvisación. Creada en  2008, desde entonces han desarrollado una pedagogía propia que difunden a través de la Escuela Impar que traslada la creatividad, diversión y rapidez de la improvisación a contenidos pedagógicos. La escuela les ha llevado a impartir talleres específicos en  festivales de improvisación de Zaragoza, Valencia, Valladolid, Sevilla y Alicante. Actualmente la compañía ha llegado a grandes escenarios de toda España con sus espectáculos CUENTOS IRREPETIBLES , IMPRO IMPAR SHOW y 3 EN IMPRO, que cuenta ya su 6ª Temporada en el Teatro Bellas Artes de Madrid. Internacionalmente estrena en el festival de Atenas 2016 el espectáculo “Seven Words” y viaja por festivales de Amsterdam y Dublín.

Cuerpo, deseo y emboscada

Quizá palabras. Quizá el silencio. Pero siempre un cuerpo. Al menos un cuerpo. De carne, de madera o de hierro, pero un cuerpo. Una materia con voluntad. Ese cuerpo desea algo y ese algo casi siempre está en otros, pertenece a otros. Se despliega en un espacio con  sus propias normas, en un tiempo con sus propias normas. El deseo tratará de suceder pese a esas normas. Además, en lo oscuro, otro cuerpo observa ese deseo con recelo. La escritura para la escena y el hecho escénico se ocupa de esta emboscada.

Taller 1. CREACIÓN DRAMATÚRGICA

Calendario: 8-12 julio de 10 a 14h.
Dirigido a: autores y, en general, a todos los interesados en la escritura teatral, independientemente de su formación y experiencia previas.
Precio: 98€ Residencia (opcional): 75€.

Más información sobre becas y matriculación AQUÍ.

Nos centraremos en el deseo como eje de construcción de una obra teatral; desde él abordemos las coordenadas fundamentales de un texto dramático: personajes, diálogo, conflicto y estructura.

El objetivo final es que todos los participantes adquieran las herramientas para la escritura teatral y desarrollen una pieza breve, autónoma y con sentidos plenos durante los días de impartición del curso, aprovechando además las posibilidades de la escritura site specific   (vinculada a un espacio singular).

Los participantes deberán asistir, en la tarde,  al taller de creación escénica para seguir la puesta en escena de su pieza y tener la posibilidad de que su proceso de escritura dialogue con los hallazgos escénicos.

Taller 2. CREACIÓN ESCÉNICA

Calendario: 8-12 julio de 16h30 a 20h30.
Dirigido a: intérpretes y, en general, a todos los interesados en la creación escénica sean directores, autores, performers…
Precio: 98€ Residencia (opcional): 75€.

Más información sobre becas y matriculación AQUÍ.

El trabajo será eminentemente práctico y se centrará en la puesta en pie de una escena de conflicto generada en el taller dramatúrgico, tomando como eje de construcción el deseo.   Desde él se abordarán las coordenadas fundamentales de una escena dramática: personajes, diálogo, conflicto y estructura. Las escenas se probarán en los espacios escogidos para comprobar las posibilidades dramáticas (y pragmáticas) de los espacios y cómo estos influyen en la realización final de la pieza.

Los participantes deberán asistir en la mañana al taller de creación dramatúrgica para conocer la génesis de las  piezas y seguir el desarrollo de la escritura dramática.

ALBERTO CONEJERO es autor y director teatral. Su teatro ha sido estrenado en España, Grecia, Reino Unido, Chile, México, Uruguay, Colombia, Paraguay, Argentina, Perú y Rusia. De su producción dramática destacan: Todas las noches de un día, ganador del III Certamen de Textos Teatrales de la Asociación de Autores de Teatro y La piedra oscura, Premio Max al Mejor Autor Teatral 2016 y Premio Ceres al Mejor Autor 2016, entre otros. Ha sido también responsable de diversas dramaturgias y reescrituras para el Teatre Lliure, el Ballet Nacional de España y  la Compañía Nacional de Teatro Clásico.

La boda

Calendario: 8-12 julio de 9h30 a 14h30.
Dirigido a: intérpretes y, en general, a todos los interesados en la creación escénica sean directores, autores, performers, bailarines…
Precio: 98€ Residencia (opcional): 75€.

*Más información sobre becas y matriculación AQUÍ.

A partir de un taller de cinco días, se va a crear una acción teatral, que por un momento

penetrará en la vida cotidiana de los ciudadanos y los convertirá en espectadores mientras

hacen la compra en un mercado u otro espacio cotidiano. Pasa la tormenta del teatro y todo vuelve a la normalidad, pero por unos breves instantes la vida ha tomado otro color. Este taller pretende acercar a los artistas  a nuevas maneras de enfrentarse al hecho escénico; provocar nuevas experiencias con el público basadas en la cercanía y la intensidad; mostrar una nueva cara de los espacios urbanos, transformarlos en “escenario”; y, también, investigar sobre la función social del teatro de calle.

EMILIO GOYANES se dedica profesionalmente al teatro desde 1983. Ha participado en un total de 58 espectáculos, de los cuales ha dirigido 38. Fundó las compañías Cambaleo, Madrid 1982-1991 y Laviebel, Granada 1992-2019. Con Laviebel ha recibido 23 premios. Max 2009 Mejor Espectáculo Musical por CABARET LIQUIDO y Max 2011 Mejor dirección musical por LA BARRACA DEL ZURDO, 7 veces finalistas. Ha dirigido espectáculos con artistas de teatro, circo, danza urbana, rock, clown, gráfitti…entre ellos CRECE en el Circo Price con 18 artistas internacionales.

ESPECTÁCULOS

Teatro Montemar – miércoles 3 de julio a las 22h.
*Acceso gratuito previa recogida de invitaciones en Pópulo, Servicios Turísticos (T. 953 744 370).

Género: danza contemporánea, música y teatro.

Una propuesta escénica total

Inspirada en Memoria de la melancolía, autobiografía de María Teresa León, Una gran emoción política aborda los años decisivos de nuestra historia reciente, los de la guerra civil y el exilio: años marcados por el fervor político, el mito de la Revolución y la fe en las en las utopías. Sin pretensiones historicistas, sino con la intención de desvelar lo arquetípico y universal de aquellos acontecimientos, trataremos de encarnar esa emoción política que empuja a un pueblo a creer en su derecho a intervenir en la historia de su país, como si el futuro de éste le perteneciera. Esa emoción que los desastres del siglo XX – las guerras, los totalitarismos y sus consecuencias- han deslegitimado.

La danza y la acción física, las canciones y la respiración, los textos originales de la autora y una propuesta musical original interpretada en directo y que se inspira en temas populares europeos evocan los recuerdos de María Teresa: episodios fundamentales de su biografía, como el salvamento del Museo del Prado, la acción en la trinchera del Teatro de Guerrillas, acontecimientos políticos y sociales como la participación de la mujer en el conflicto bélico y conceptos clave como la masa o el cuerpo colectivo, el exilio y la memoria.

A través de sus recuerdos no pretendemos bailar la vida de María Teresa, sino su visión del mundo, marcada por una imparable empatía con las clases desfavorecidas repleta de contradicciones y el sueño frustrado de ver triunfar a una España republicana y comunista. Desde el exilio, María Teresa esperaba regresar algún día su país libre de la dictadura franquista. Cuando por fin pudo hacerlo, en 1977, el alzhéimer no le permitió reconocer la tierra que pisaba. España y María Teresa han sufrido el mismo destino: el borrado de memoria, la enfermedad del olvido.

Dirección y dramaturgia: Luz Arcas y Abraham Gragera. Interpretación: Luz Arcas, Elena González Aurioles, Ignacio Jiménez, Paula Montoya, Begoña Quiñones y Raquel Sánchez. Coreografía: Luz Arcas. Concepto, letras, dirección y composición musical: Abraham Gragera. Composición musical, piano y percusiones: Carlos González. Vientos, voz: Cristian Buades. Violín: David Santacecilia. Diseño iluminación: Jorge Colomer. Diseño de vestuario: Paola de Diego. Vídeo y fotografía: Virginia Rota. Figuración: Verónica Garzón, Patricia Roldán, Itxasai Mediavilla, José Andrés López, Sara Burgazzi. Diseño espacio escénico: La Phármaco. Escenografía: Xosé Saqués. Diseño gráfico: María Peinado Florido. Producción ejecutiva: Laura Ortega Gabriel Blanco.

La Phármaco es la compañía que dirigen Luz Arcas (Premio El Ojo Crítico de Danza 2015, Mejor Intérprete Femenina en Premios Lorca 2015, Finalista Mejor Intérprete Femenina en Premios Max 2017) y Abraham Gragera (Premio El Ojo Crítico 2013).

Entre las creaciones de La Phármaco destacan El libro de los venenos (2009, Premio Injuve y Málaga Crea 2009), El monstruo de las dos espaldas (2010), Antes fue siempre fuego (2012), Sed erosiona (2012), Éxodo: primer día (2013, nominada a los Premios MAX y a los Premios del Teatro Andaluz por Mejor Espectáculo de Danza y Mejor Intérprete Femenina de Danza y seleccionada para el catálogo del AECID 2015), La voz de nunca (2014, coproducida por la Agencia Andaluza de Instituciones Culturales y ganadora del Premio a la Mejor Intérprete Femenina de Danza en los Premios del Teatro Andaluz y Premio Ojo Crítico de Danza en 2015) Kaspar Hauser. El huérfano de Europa (Teatros del Canal, Festival Otoño a Primavera, 2016, Finalista Premios Max (2017) y Miserere. Cuando la noche llegue se cubrirán con ella (2017).

Teatro Montemar – jueves 4 de julio a las 22h.
*Acceso gratuito previa recogida de invitaciones en Pópulo, Servicios Turísticos (T. 953 744 370).

Género: Teatro.

¿Por qué tenemos miedo al fracaso?

Qué pasó con Michael Jackson es un homenaje a los cadáveres que cada mañana salen a la calle. Un retrato de un mundo zombie y enfermo. Enfermo de éxito, de palmadas en la espalda, de medallas por conseguir, de filtros que lo endulzan todo, hasta la miseria cotidiana. La Teta Calva vuelve a la carga con su lenguaje punzante y con su descaro para retratar en esta comedia documental la historia de una chica que vive en su alfombra roja particular. Una chica que desde pequeña fue la primera en todo y ahora palpita de miedo. Como Michael Jackson. Ese niño que a golpe de cinturón llegó a ser el hombre más famoso y talentoso del planeta y terminó sus días escondido tras una mascarilla porque el mundo le envenenaba. Un jarrón delicado que al caer se hace añicos.

La Teta Calva recurre a Michael Jackson para hablar de los claroscuros de la fama, de la soledad, del desgarro del falso halago; de la necesidad de ser queridos aunque sea una farsa. La figura del Rey del Pop nos habla de un individuo que se vio sobrepasado por la fama. Pero, ¿qué es la fama? ¿Cuál es la cantidad de visualizaciones, likes o visitas que determina la respetabilidad?

Texto María Cárdenas/ Xavo Giménez. Dirección: Xavo Giménez. Espacio escénico y vestuario: Blanca Añón. Iluminación: Ximo Rojo Construcción espacios: Los reyes del Mambo. Fotografía/Ayudante dirección: María Cárdenas. Producción: Laura Marín/Mª Ángeles Marchirant. Reparto: Verónica Andrés. Carles Sanjaime. Xavo Giménez. Colaboran Carles Chiner: Toni Aparisi.

La Teta Calva nace con Penev, de Xavo Giménez. Penev se exhibe en diferentes festivales nacionales e internacionales y fue finalista en los Premios Max; Llopis  recibió el Premio de Teatro Exprés de SGAE y en los Premios de la Asociación de Actores del País Valencià 2016. Síndrhomo, de María Cárdenas gana el Premio Max como mejor autoría revelación.

Espacio por definir – martes 9 de julio a las 22h.
*Acceso gratuito previa recogida de invitaciones en Pópulo, Servicios Turísticos (T. 953 744 370).

Género: Conferencia gastronómica.

Un latigazo a nuestra indiferencia

Jonathan Swift nació en 1667 en Dublín de padres ingleses que profesaban la religión anglicana. En 1725 terminó la obra por la que se le conoce universalmente, Los viajes de Gulliver. Tras una estancia de dos años en Inglaterra Swift regresó a Irlanda sintiéndose “como una rata envenenada en su agujero”.

La obra literaria que sobresale de este período es Una Humilde Propuesta para impedir que los hijos de los pobres de Irlanda sean una carga para sus padres o para el país (1729).

Sin aspavientos, con mesura y moderación, y, sobre todo, con muchísimo sentido común, se nos propondrá que lo mejor que podemos hacer para acabar con los pobres que nos rodean es… COMÉRNOSLOS.

No a las adultos, correosos e indigestos, ni siquiera a los jóvenes, no… A los bebés que no pasen del año. Bebés lechales, tiernecitos y suculentos. Así los quitamos de en medio, dejan de molestar y de hacer feo, nos alimentan y se transforman en un extraordinario y PRODUCTIVO NEGOCIO. ¡Formidable manjar! Hay, pues, que preservar a las madres parturientas para que semejante delicia gastronómica sea un realidad en los banquetes de los ricos. Economía para el Reino y deleite para las clases dominantes. ¡Viva el capitalismo!

El texto de Swift, cocinado a fuego lento, sugiere un espectáculo ameno y simpático.

Aunque puede que semejante sátira gastronómica termine provocando en algunos una mala digestión en sus conciencias.

Intérprete: Mariano Llorente. Escenografía: Arturo Martín Burgos. Vestuario: Almudena Rodríguez Huertas. Iluminación: Marta Martí. Música original: Mariano Marín. Teaser: Miguel A. Calvo Buttini. Dirección: Laila Ripoll. Ayudante de dirección: Héctor del Saz. Prensa y comunicación: María Díaz.

En 1991, Laila Ripoll junto con José Luis Patiño, Mariano Llorente y Juanjo Artero funda la compañía teatral Micomicón. Durante su amplia trayectoria ha dirigido espectáculos para el Centro Dramático Nacional, la Compañía Nacional de Teatro Clásico y para el Festival de Teatro Clásico de Mérida. Laila Ripoll fue galardonada en 2015 con el Premio Nacional de Literatura Dramática junto a Mariano Llorente por su obra El Triángulo Azul, con la que ganó el Premio Max a mejor autoría original con el mismo texto.

Teatro Montermar – miércoles 10 de julio a las 22h.
*Acceso gratuito previa recogida de invitaciones en Pópulo, Servicios Turísticos (T. 953 744 370).

Género: Danza contemporánea.

Hacia la mitad de la vida, el camino es de vuelta

Hay cuerpos que se olvidan aparece bajo la necesidad de parar, de reencontrarme tras diez años de trabajo con mi compañía Dos Proposiciones. Me plateé que quizás esta etapa tenía que terminar porque sentía que dejaba de tener sentido, todo este mercado de las artes escénicas con todas sus variantes: que si piensa en el público, que si no puedes pagarle a nadie, que si te dicen que ya empiezas a ser mayor para esto”.

La temática de Hay cuerpos que se olvidan no es una elección casual, es el resultado de alcanzar la fase de aceptación en un duelo, no por un ser querido, sino por una profesión amada. Entramos en el maravilloso mundo de las defunciones, los fines y, por lo tanto, comienzos de ciclo.

Idea / autoría: Raquel Madrid y José F. Ortuño. Texto / Dramaturgia: José F. Ortuño. Coreografía: Raquel Madrid. Co-dirección: Raquel Madrid, Jose Fco Ortuño y Charo Sojo. Música: Sleepy James, Ramiro Souto, varios. Iluminación: Diego Cousido. Sonido: Tony Gutierrez / Grabación música en Happy Place Records. Fotografía: José Toro/Guillermo Marrufo/Itziar Rodriguez/Antonio de Sancho. Escenografía / Producción / Vestuario: 2proposiciones y Anabel Rueda. Comunicación: Gloria Díaz Escalera.

Raquel Madrid, creadora sevillana, Licenciada en Arte Dramático, Danza contemporánea y Derecho. La trayectoria de Raquel comienza con las compañías andaluzas Manuela Nogales Danza, El punto! Danza Teatro, La cuadra de Sevilla entre otros, con las que realiza giras nacionales e internacionales. Curiosa insaciable, Raquel continúa investigando sobre las artes escénicas en Barcelona, Madrid, Inglaterra, Bélgica o Viena. En 2005 comienza su investigación como creadora independiente con su compañía 2proposiciones, con la que lleva realizados diez producciones girando a nivel nacional e internacional y cuya trayectoria ha sido reconocida por la profesión en varias ediciones de los premios PAD de la Danza.

Teatro Montermar – jueves 11 de julio a las 22h.
*Acceso gratuito previa recogida de invitaciones en Pópulo, Servicios Turísticos (T. 953 744 370).

Género: Teatro.

Tragicomedia en tres fracasos

La Última Boqueá es una comedia de velatorio, de esas que utilizan la risa para poder soportar la tragedia que nos aplasta. Dando voz al subconsciente colectivo, sus personajes, tres insatisfechos que buscan saciar su sed de felicidad en un bar, pretenden enterrar sus fracasos, rememorar tiempos pasados y alcanzar sus sueños dejando atrás esas islas en las que ellos mismos se han excluido. Sus islas, que son las nuestras. Ahí nos refugiamos del mar, esa inmensidad desconocida que nos rodea. Asomarse al mar, es asomarse a uno mismo: soportar a nuestro reflejo vomitando oleadas de preguntas que emanan desde las profundidades del silencio para desestabilizarnos y despertar nuestra inquietud por lanzarnos en busca del horizonte. Pero la marea sube y nuestras islas se achican… ¿Deberíamos abrazar al pasado u olvidarlo para siempre? ¿Consumir la vida o que la vida nos consuma? ¿Armarse de valor y permitir el cambio o mantenerse en la estabilidad de la rutina?

Intérpretes: María Díaz, Selu Nieto, Pablo Gómez Pando. Espacio escénico: Selu Nieto, Margarita Ruesga, Carlos Villarreal Colunga. Iluminación: Guillermo Jiménez. Vestuario: Margarita Ruesga. Espacio sonoro: Ignacio Román Muñoz. Música: “La Alegría de Vivir” de los Hnos. Sánchez Berenguer, interpretado por Los del Guadalquivir; “Las Criaturas” de José Amador Gemio (Pive), interpretado por Silvio y Sacramento. Fotografía: Luis Castilla. Diseño gráfico: Carlos Villarreal Colunga. Distribución: Teresa Velázquez. Producción: Teatro A La Plancha. Ayte. Dirección: Susana Hernández. Texto y Dirección: Selu Nieto.

Teatro a la Plancha es una compañía galardonada con el Premio Lorca Revelación del Teatro Andaluz y nominaciones a Mejor Actor, Escenografía e Iluminación, Premio Mejor Actor en los Premios Escenarios de Sevilla y también nominados al Mejor Espectáculo, Mejor Dirección, Mejor Autor y Mejor Escenografía. La compañía busca encontrar un lenguaje propio de comunicación escénica, donde lo trágico, lo esperpéntico y lo poético como arma simbólica, confluyan hacia un único objetivo: el alma del espectador. Recurren a puestas en escena arriesgadas, donde la comedia está sumergida en la tragedia y viceversa. Además, se ayudan de la acción y las imágenes alegóricas para crear una atmósfera en la que el espectador llegue a emocionarse mientras llora de la risa. Sus personajes, deformados y marginados; anhelan una oportunidad para poder alcanzar sus sueños. Recurriendo a la palabra convencional, a los dichos populares o incluso a idiomas inventados, buscan conseguir la universalidad de sus obras. La presencia de la luz como creadora de ambientes claroscuros, el poder de la música para revolver las entrañas del espectador o la capacidad de la imagen plástica para transportarnos a otros mundos, tienen igual o más importancia que el actor.

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