Celebramos la sexta edición de SOLO IMPROVISA, un certamen de improvisación dinámico, fresco, lleno de energía y libertad. Ocho bailarines/as se ponen en nuestras manos para jugar a improvisar. Ninguna de las personas participantes sabe qué música sonará o qué pauta de movimiento le vamos a proponer. El programa de las tres jornadas en las que se celebrará el certamen constará de dos bloques: uno, en el que las personas participantes mostrarán un trabajo unipersonal, como carta de presentación; y, otro, en el que la improvisación será la protagonista. Además, en este certamen, el público juega un papel fundamental: deberá elegir a los finalistas que pasen a la final, una jornada festiva en la que celebraremos el baile y la danza con música en directo. Tres días para disfrutar, apostar y bailar. Siempre bailar.

El jueves concursarán cuatro bailarinas/es. Tras la presentación de su pieza unipersonal, de aproximadamente 15 minutos de duración y una pequeña improvisación, dos de las cuatro personas aspirantes serán seleccionadas para volver a concursar el sábado en la Final. Un comité de tres profesionales de las artes escénicas decidirá el nombre de una de las personas aspirantes y la otra será elegida por el público.

El viernes volverán a concursar cuatro bailarinas/es diferentes, repitiendo la dinámica del día anterior.

Las cuatro personas aspirantes elegidas entre el viernes y el sábado (dos seleccionadas por el jurado y dos por los votos del público) volverán a concursar el sábado en la final del certamen.

El sábado tendrá lugar la final. En esta sesión se volverán a visualizar las cuatro piezas seleccionadas y tendrá lugar una sesión de improvisación en la que los concursantes tomarán como base la música de Kazike en estado de Trance (Guacamayo Tropical).

Iker Rodríguez es bailarín y creador performático, formado en el Real Conservatorio Profesional de Danza Mariemma, donde se graduó con Mención de Honor, y con un Título Superior en Coreografía Contemporánea por el Conservatorio Superior de Danza María de Ávila. Su trayectoria profesional incluye cinco años en la Compañía Nacional de Danza y una experiencia en Netherlands Dance Theater, interpretando repertorio de reconocidos coreógrafos como William Forsythe, Nacho Duato, Johan Inger, Paul Lightfoot y Sol León o Alexei Ratmansky. También ha participado en La Biennale di Venezia 2024 y desarrolla su propia faceta creativa con piezas como Red Skin, presentada en el Círculo de Bellas Artes de Madrid, Ocaso, en la Gala Internacional por el Día de la Danza del Teatro Victoria Eugenia de Donostia, y Éclair, presentada en Teatros del Canal. En 2023 recibió el Premio Bailarín Revelación de la Asociación de Profesionales de Gipuzkoa.

Iker nos presenta su pieza Cuerpo vacío, en la que se toma al cuerpo como vehículo y dispositivo articular y muscular. Vaciar el cuerpo identitario para dejar que la automatización del movimiento genere un nuevo lenguaje.

Clementine es bailarina, coreógrafa y creadora con una sólida formación internacional en danza contemporánea, formada en Trinity Laban Conservatoire of Music and Dance de Londres y en Northern School of Contemporary Dance, donde recibió el Outstanding Achievement Award 2016. Su trayectoria profesional combina interpretación, creación y dirección artística, y cuenta con experiencia junto a destacados artistas y compañías como Guy Nader & Maria Campos, Lali Ayguadé Company, Theatre Rites, BitterSuite, Wayne McGregor y Yoann Bourgeois, además de colaboraciones y proyectos desarrollados en distintos contextos internacionales. Como creadora, ha desarrollado piezas propias y encargos para instituciones y festivales como Dansa Metropolitana, GREC Festival, IAB, SEAD y La Mercè, destacando The Ultimate Player’s Handbook, La Mecànica de l’Infortuni, Scotoma y El cos mai menteix, obra por la que recibió el premio a Mejor Interpretación en 2022. Su práctica se caracteriza por una aproximación interdisciplinar al cuerpo y al movimiento, incorporando elementos de teatro físico, circo, artes marciales, improvisación y prácticas somáticas, y ampliando su perfil hacia la dramaturgia, producción, dirección artística y diseño lumínico.

Su pieza El cuerpo nunca miente supone un discurso improvisado de un cuerpo que quiere hablar: «¿Qué escuchamos dentro cuando entramos en silencio? Cuando vaciamos el sentido de la intención y de la voluntad, las ganas de hacer o de agradar, ¿cómo habla entonces el cuerpo y qué tiene que decir? En los ritmos y las pausas, en el silencio interior, emergen el verbo, el acto y el gesto: el sentido del discurso del cuerpo.»

Milagros Garcia Salgueiro aka LaMiraclas (ARG/ESP)

Bailarina dedicada a la improvisación, inicia su recorrido en el diseño sonoro para piezas escénicas a partir de su trabajo dentro del proyecto Si Los Martes Fueran Viernes.

Autodidacta y acompañada por sus mejores colegas, va cambiando las salas de teatro por las pistas de baile. Poco a poco descubre que aquello que más la conmueve como creadora escénica permanece intacto en cada uno de sus DJ sets: compartir su pasión por el baile y por la música.

Ha llevado sus sets a Frutas Electrónicas, YOURBAN Barcelona, CatalanDANCE, Danseu Festival, Festival L’Arreplegada y los Diumenges Trencapistes de La Caldera.  

Bailarín y coreógrafo nacido en Tenerife, inicia su trayectoria desde la curiosidad por el movimiento físico y la expresión escénica. Su formación artística se complementa con una Licenciatura en Psicología, disciplina que impregna tanto su narrativa coreográfica como su labor pedagógica.

Como intérprete, ha formado parte de compañías de referencia nacional como Provisional Danza y Matarile Teatro. Como creador, atesora una dilatada trayectoria con más de ochenta producciones presentadas internacionalmente, avaladas por la crítica y el público.

Cía. Daniel Abreu y Trayectoria Creativa

Desde la fundación de su propia compañía en 2004, ha consolidado un lenguaje propio de la danza con una estética visual, simbólica y poética. Su labor creativa se extiende a la dirección de proyectos para agrupaciones en Chipre, Italia, Croacia, Polonia y España. Destacan entre sus trabajos recientes las premiadas obras La Materia (junto a Olga Pericet) y Canaril (junto a Olga Cerpa y Mestisay). Asimismo, desempeñó la dirección artística de Lava Compañía de Danza (Auditorio de Tenerife) durante dos años.

Reconocimientos Destacados

Su carrera ha sido distinguida con los galardones más prestigiosos del sector, entre los que destacan:

• Premio Nacional de Danza 2014 (Categoría de Creación).
• Premios Max: Mejor Coreografía 2024 (La Materia); Mejor Espectáculo, Coreografía e Intérprete Masculino 2018 (La Desnudez).
• Premio Réplica: Mejor Espectáculo de Danza 2024 (Canaril); Mejor Espectáculo, Vestuario y BSO 2019 (Abisal).
• Premio Godot 2023: Mejor Intérprete Masculino de Danza por Dalet (Da).
• Premio Ciudad de Cazorla de Teatro 2020.

• Premio de Honor Godot 2025
• Medalla de Oro al mérito en las Bellas Artes 2020.
• En el año 2007 recibe el Premio Nacional de Danza, otorgado por el Ministerio de Cultura, en la modalidad de creación.
• El Tercer Premio de la Primera Competición Internacional Onassis para una Coreografía Original 2001, con la obra “El tiempo de un Instante”.
• Recibe el Premio de Cultura en la sección de Danza de la Comunidad de Madrid 2000.
• Premio Mención del XIII Festival de Cinema de Girona para el vídeo en formato cine “La noche, marejada de un cuerpo”.
• La llave en forja que abre el Festival Puerta al Mediterráneo como reconocimiento a la trayectoria dancística de Carmen Werner, coreográfa madrileña.
• Premio Culiacán de Coreografía “Héctor Chávez” 2015 otorgado por el Ayuntamiento de Culiacán, a través del Instituto Municipal de Cultura Culiacán, con la obra “Días de tierra”.
• Nominada como mejor intérprete de danza a los Premios Max de las Artes Escénicas en 2006, 2010, 2012, 2013 y 2015.
• En 1986 crea su propia compañía: Provisional Danza
• Estudia Danza Clásica y Contemporánea en Madrid, Barcelona y Londres
• Licenciada en Educación Física por la Universidad Politécnica de Madrid.

Periodista y crítico de danza español nacido en Venezuela.

Graduado en la Universidad Central de Venezuela. Máster en Periodismo Universidad Autónoma / El País. Desde hace más de treinta años se ha especializado en danza. Ha trabajado para la revista Por la Danza, de la Asociación de Profesionales de la Danza de Madrid. Ha sido colaborador habitual de publicaciones como El País, El Economista, Babelia, El dominical y EP3, entre muchas otras. Es fundador y director de susyQ, revista de danza, con veinte años de permanencia en el mercado español. Es coautor del libro Mes de Danza 20 años. Una historia de la danza contemporánea en Andalucía. También ha sido profesor en el Grado en Ciencias de la Danza de la Universidad Europea de Madrid y en el Conservatorio Superior de Danza María de Ávila, de Madrid.

Janet Novás es bailarina, performer, actriz y docente, reconocida con el Premio Nacional de Danza 2025 y el Premio Goya a Mejor Actriz Revelación por O Corno, de Jaione Camborda. Su trayectoria ha sido distinguida también con el Premio Ojo Crítico de RNE, el Premio de la Crítica de Cataluña y el Premio Injuve.

Su formación en danza contemporánea transcurre entre Madrid, Bruselas, Berlín y Viena. Desde 2008, desarrolla sus propios proyectos de danza y performance, articulando una práctica centrada en la investigación del cuerpo, la experimentación y la creación escénica. Sus trabajos se han presentado en destacados festivales y espacios nacionales e internacionales, como Rencontres Chorégraphiques, Festival de Marseille, Mercat de les Flors, Conde Duque y Festival de Otoño, entre otros.

Como creadora y coreógrafa, ha colaborado con artistas de distintas disciplinas, como Mercedes Peón, las diseñadoras Zap & Buj y la artista visual Virginia Rota.

En cine, debutó como protagonista de O Corno, película ganadora de la Concha de Oro en el Festival de San Sebastián, por cuya interpretación recibió el Goya a Mejor Actriz Revelación. Posteriormente, ha participado en Romería, de Carla Simón, y Harta, de Julia de Paz.

Actualmente, compagina su trabajo en la danza, el cine y la pedagogía, impartiendo clases y talleres en España, Europa, Latinoamérica y Asia.

Por primera vez, en el centro está Ismene: la que eligió la vida y quedó fuera del mito. La que no supo elegir a tiempo y quedó en tierra de nadie. La que no estuvo a la altura. La que no logró salvar Tebas de la catástrofe. Años después, regresa a la ciudad donde fue rebajada a decorado para la historia de otros. Antígona se convirtió en mito. Creonte, en emblema de la ley y del poder. Ambos lo perdieron todo. Ella, cuyo fracaso fue tan cierto como suyo, además fue relegada al olvido. Pero sobrevivió. Paralela a esta historia, se le aparece como una fantasmagoría otra historia que no termina de aprehender: una en la que ella muere, al pie de una fuente, esperando a su amante.

Ahora las heridas del pasado vuelven a sangrar. Tersandro, hijo de Polinices, aparece para reclamar justicia para su padre al frente
de un ejército que amenaza con arrasar Tebas de nuevo.

Ismene asume la tarea de impedir esta nueva vuelta a la violencia. Conoce demasiado bien el precio de las grandes ideas y el poder de la convicción. Vio la fuerza de la fe de Antígona. Vio cómo Creonte se convertía en esclavo de sus propias leyes. Esta vez está decidida a no quedarse al margen. Esta vez no va a permitir que otros decidan por ella. Esta vez está dispuesta a comprometerse, a exponerse hasta el límite, aunque el precio resulte insoportable. Quiere recuperar una historia en la que no quede como un simple decorado.

La certeza pretende retratar una personalidad: la de quien no es capaz de entregarse a ninguna convicción. Para ello revisita el mito de Antígona desde el lugar que la tragedia clásica dejó en sombra. En un espacio de ruina, memoria y combate interior, Ismene invoca los fantasmas del pasado, escucha las voces que sellaron su identidad pública y lucha por encontrar un punto firme desde el que reconstruirse. Porque la cuestión no es sólo si podrá impedir una nueva guerra o si será capaz de matar a su sobrino. La gran pregunta es si existe algo tan puro e indudable como para entregarse en un acto irreversible.

Antonio C. Guijosa es licenciado en dirección escénica por la RESDA de Madrid y ganó el Premio José Luis Alonso de la ADE por su primer trabajo: Fair Play, de Antonio Rojano.

A lo largo de su carrera ha dirigido más de una veintena de funciones, entre las que podemos destacar: Interior de Maeterlink (Centro Dramático Nacional), Espacio Disponible de Celia Nadal y Javier Manzanera (Perigallo Teatro), Mármol de Marina Carr (El Vodevil con la colaboración del CDN), Contra la democracia de Esteve Soler y Tito Andrónico ambas en producción de Teatro del Noctámbulo.

Con Serena Producciones ha dirigido y producido ya cuatro espectáculos: Liturgia de un asesinato de Verónica Fernández, Iphigenia en Vallecas de Gary Owen (Premio Max a Mejor espectáculo revelación 2019) y Sólo un metro de distancia (Finalista en los Premios Max a Mejor autor revelación 2021) y Las Cartas de Cristián ambos textos propios.

En su faceta como dramaturgo, además de los textos señalados, es autor de versiones de las obras Interior, Entre bobos anda el juego, La excepción y la regla y Belcebú, además de colaborar en la dramaturgia de Liricirco, espectáculo circense y Nora, espectáculo de danza española.

Sus últimos trabajos estrenados son La Celestina de Fernando de Rojas y Jasón y las furias  de Nando López, para el 71 festival de Mérida.

Actualmente prepara el estreno de Buenas noches, madre de Marsha Norman, Hécuba de Marina Carr y El síndrome de Stendhal de Sergio Blanco.

SERENA PRODUCCIONES

Texto y Dirección: Antonio C. Guijosa
Ayudante de dirección: Manuel de Durán
Reparto: Ernesto Arias, Beatriz Grimaldos, Claudia Taboada y Jorge Yumar
Vestuario y escenografía: Mónica Teijeiro
Sonido: Manu Solís
Diseño de iluminación: Insuel SL
Prensa y Comunicación: María Díaz

Fotografía: Moisés Fernández Acosta

Producción: Serena Producciones

Tres jóvenes, Ale, Nacho y P., entrenan al baloncesto en un club de la ciudad de Bahía Blanca. Es una noche importante porque al día siguiente juegan el último partido del campeonato. Invitan entonces a Rocío, una adolescente que trabaja en el club. Esa noche, los tres jóvenes cometen una violación y un feminicidio.

Un tiro cada uno, escrita por Mariana de la Mata, Consuelo Iturraspe y Laura Sbdar y dirigida por las dos últimas, indaga en la violencia machista a partir de casos reales sucedidos en Argentina.

En la obra, que obtuvo la Beca a la Creación 2016 del Fondo Nacional de las Artes, tres actrices interpretan a los tres asesinos y violadores: una herramienta narrativa y escénica
para observar de manera crítica las dinámicas y mecanismos de la masculinidad más violenta.

Consuelo Iturraspe, dramaturga y poeta, es autora de obras como Cemento, un largo poema sobre la despedida y el desamor que la consolidó como creadora y directora. También firma los poemarios Acaricio Perros (2020) y En lugar de dormir (2024).

Laura Sbdar, dramaturga y creadora del Festival de Teatro en la Cárcel (una cita cultural que lleva obras de teatro al penal de Ezeiza, en Buenos Aires), recibió hace unos meses el Premio Internacional de Literatura Aura Estrada por su novela Hasta que brille (2025).

Ambas crearon en 2022 la compañía Las Rosas.

Dirección: Consuelo Iturraspe y Laura Sbdar
Dramaturgia y puesta en escena: Consuelo Iturraspe, Mariana de la Mata y Laura Sbdar
Reparto: Fiamma Carranza Macchi, Carolina Kopelioff y Camila Peralta
Actriz suplente: Sabrina Zelaschi
Iluminación: Fernando Chacoma
Vestuario: Leonel Elizondo
Fotografía: Carla Scolari y Consuelo Iturraspe
Diseño Gráfico: Agustín Obregón
Entrenamiento deportivo: Solen Jordan
Coreografía: Flor Piterman
Producción: Consuelo Iturraspe, Laura Sbdar, Elisa Carli
Asistencia de dirección: Elisa Carli

Días antes de su asesinato, Federico García Lorca escribió su última carta. El destinatario era Juan Ramírez de Lucas, un joven actor de Albacete que fue su último amante. Esta carta permaneció oculta hasta la muerte de Ramírez de Lucas, por miedo a las represalias debido a su condición sexual. Lorca, asesinado por rojo y maricón, nunca llegó a leer la respuesta de Juan.

Este espectáculo nos habla, desde el universo lorquiano, del derecho a la disidencia, del derecho a amar libremente.

La propuesta investiga la historia oculta de la disidencia en España, conectando el pasado con el presente en un contexto donde los derechos y libertades alcanzados empiezan a verse amenazados. A través de una narrativa de movimiento cargada de verdad, historia y elementos simbólicos, la obra sacude nuestras conciencias y provoca la reflexión.

El universo taurino se convierte en metáfora visual: un burladero, una chaquetilla de torero, unos zancos que transforman el cuerpo en un toro de carne y acero. Estas imágenes, sostenidas por la fuerza interpretativa de los bailarines, construyen un lenguaje escénico potente y conmovedor.

La propuesta investiga la historia oculta de la disidencia en España, conectando el pasado con el presente en un contexto donde los derechos y libertades alcanzados empiezan a verse amenazados. A través de una narrativa de movimiento cargada de verdad, historia y elementos simbólicos, la obra sacude nuestras conciencias y provoca la reflexión.

El universo taurino se convierte en metáfora visual: un burladero, una chaquetilla de torero, unos zancos que transforman el cuerpo en un toro de carne y acero. Estas imágenes, sostenidas por la fuerza interpretativa de los bailarines, construyen un lenguaje escénico potente y conmovedor.

MIGRO DANZA
Dirección artística: Edu Migro
Dirección coreográfica: Ana Luján y Edu Migro
Dramaturgia y documentación: Javier Sahuquillo
Interpretación: Edu Migro & Raúl Lledó
Música: Manel Ferrándiz
Diseño de iluminación: Pablo Fernández
Diseño de sonido: Eduardo Soriano
Técnico iluminación: Florín Badilici
Escenografía: Heidi Prada
Vestuario: Modis Studio, Satanasa, Migrodanza & Claudina García
Producción: Josep Navarro
Imagen cartel: Nerea Coll / Brava Studio
Fotografía y vídeo: IdunnProducciones

África Moment y Cuarta Pared unen fuerzas para presentar, por primera vez en Madrid, el trabajo del coreógrafo comorense Salim Mzé Hamadi Moissi. Lo hará a través de un programa doble compuesto por el unipersonal L’Expat y el trabajo para siete bailarines Massiwa. Un cuerpo, siete cuerpos. Energía colectiva que dialoga con la singularidad de cada cuerpo. En L’Expat Salim reflexiona sobre la experiencia de la expatriación poniendo en evidencia las contracciones del discurso occidental sobre la migración. En Massiwa nos invita a un viaje al corazón del archipiélago volcánico de la Comoras, territorio donde nació y creció. Se inspira en sus danzas tradicionales para re imaginarlas a través de la danzas urbanas y contemporáneas y nos lanza preguntas tan sugerentes cómo ¿Por qué nos conmueve el lugar de dónde venimos?

En colaboración con la X Temporada Internacional de Artes Vivas AM26. Con conexiones triangulares entre África, América Latina y Europa, Africa Moment genera espacios de creación, pensamiento y encuentro a través de las artes vivas, contribuyendo al posicionamiento de la creación africana y de sus diásporas dentro del panorama cultural nacional e internacional. Proyecto pionero en el Estado español, Africa Moment impulsa una transformación del sector desde la diversidad, la inclusión y la justicia cultural, promoviendo perspectivas decoloniales, no eurocéntricas e innovadoras que dialogan con los desafíos y urgencias de nuestro tiempo.

Más info: www.africamoment.org

L’Expat es una propuesta escénica que combina teatro y danza para explorar el concepto de “expatriado” y sus implicaciones postcoloniales. Inspirada en el ensayo L’Expat des relations humaines de Salim Mzé Hamadi Moissi, la obra sigue el recorrido de un hombre confrontado a la experiencia de la expatriación, sus encuentros y su relación con la cultura de origen. A través del humor, el movimiento y una dramaturgia profundamente autobiográfica, L’Expat reflexiona sobre el privilegio, la identidad y el sentido de pertenencia, poniendo en evidencia las contradicciones del discurso occidental sobre la migración. El cuerpo se convierte aquí en vehículo de memoria, raíces y retorno, transformando la experiencia personal en una reflexión universal.

Dirección, coreografía e interpretación: Salim Mzé Hamadi
Producción: Compañía Tché-Za (Comoras)
Distribución: Africa Moment
Con el apoyo de ONDA (Oficina Nacional de Difusión Artística) y del Institut Français a través del programa Residencias en la Cité Internationale des Arts y del SCAC de la Embajada de Francia en Moroni

En Massiwa, Salim Mzé Hamadi nos invita a un viaje al corazón del archipiélago volcánico de las Comoras, territorio donde nació y creció. La pieza celebra el patrimonio cultural comorense al tiempo que lo reimagina a través de movimientos contemporáneos, atléticos y urbanos. Los palos, los ritmos y una respiración intensa y explosiva evocan tanto la lucha como la solidaridad. ¿Por qué nos conmueve el lugar de dónde venimos? ¿Qué queremos transmitir a los demás? ¿Cómo preservar su belleza y singularidad? Inspirada en danzas tradicionales como la wadaha, de carácter femenino, así como la higoma y la biyaya, la obra reúne a siete intérpretes en un potente viaje de fuerza, identidad y memoria cultural, donde la energía colectiva dialoga con la singularidad de cada cuerpo.

Dirección y coreografía: Salim Mzé Hamadi
Intérpretes: Toaha Hadji Soilihy, Mzembaba Kamal, Mohamed Ibrahim, Nael Omar, Ali Ahmed Abdallah Takia, Cécile Vitry, Abdou Mohamed
Técnico de luces: Guillaume Bonneau
Encargo y producción: Théâtre de Suresnes Jean Vilar / festival Suresnes Cités Danse 2020
En colaboración con: Compagnie Tché-Za
Con el apoyo de: Cités Danse Connexions y Alliance Française de Moroni
Distribución: Africa Moment

También conocido como Seush, Salim Mzé Hamadi es bailarín, coreógrafo, director artístico y una de las figuras más destacadas de la creación contemporánea procedente de las Islas Comoras. Fundador de la compañía TcheZa, ha desempeñado un papel fundamental en el desarrollo de la danza contemporánea en el archipiélago, creando un lenguaje escénico singular que fusiona danzas urbanas, danza contemporánea y patrimonio cultural comorense. Su trabajo transforma tradición y modernidad en piezas de gran intensidad física y expresiva, donde convergen la memoria corporal, la identidad, la transmisión cultural y las dinámicas políticas y sociales de nuestro tiempo. A través de una escritura coreográfica atlética y profundamente arraigada en su territorio de origen, sus creaciones sitúan las Islas Comoras y el océano Índico en el centro del debate artístico e intelectual global. Reconocido internacionalmente, ha participado en numerosas residencias, proyectos pedagógicos y colaboraciones en África, Europa y el océano Índico, acompañando y formando a nuevas generaciones de artistas. Sus obras han podido verse en escenarios y festivales de referencia como el Amphithéâtre Olivier Messiaen de la Opéra Bastille (París), el Théâtre de Suresnes Jean Vilar, el Théâtre de Pierrefonds (La Reunión), el Théâtre Cinéma de Choisy-le-Roi, la Salle Juliette Gréco durante el Festival de Danse de Cannes, el Centre Pompidou Málaga o el Centre d’Arts Santa Mònica de Barcelona.

FECHA: 12 de diciembre | HORARIO: De 16h00 a 19h00 | PRECIO: 15€

Salim Mzé Hamadi propone un taller centrado en la relación del cuerpo con el suelo, la tierra, el horizonte y el cielo. A través de ejercicios de movimiento consciente, las personas participantes explorarán diferentes estados corporales, desde el anclaje y la estabilidad hasta la expansión, la ligereza y la expresión energética. La sesión invita a descubrir nuevas formas de desplazarse, comunicarse y liberar energía a través del movimiento, conectando fuerza, presencia y creatividad en cada gesto. Una experiencia accesible para todos los niveles, concebida como un espacio de exploración física, artística y sensorial.

INSCRÍBETE AQUÍ: https://www.africamoment.org/event-details/masterclass-con-salim-mze-hamadi-cie-tche-za-am26-madrid-sala-cuarta-pared